Em “Olhos vertidos no desamparo extremo”, temos um soneto que, embora resgate a forma clássica, apresenta um ritmo de versos oscilante entre decassílabos e hendecassílabos. Seja dito de passagem, não se trata de um único soneto entre um conjunto de textos dispostos de maneira múltipla e sem unidade de conjunto, isto é: no eixo “Antigos” de Rosácea, em que se encontra o poema em questão, há outros poemas que obedecem à mesma estrutura composicional destacada.

Retornando à oscilação, o poema apresenta 7 versos de 11 silabas e 7 versos com 10 sílabas. Essa divisão, por obviedade, alude à própria forma tradicional do soneto: 14 versos. E, apesar de não serem intercalados, a constituição desses versos remete a uma concepção de equilíbrio que se fissura em meio à leitura do poema. E tal contraposição não se manifesta tão somente no aspecto formal, o que aponta, de imediato, para seu espraiamento no eixo da articulação textual. A esse respeito, na última estrofe do soneto, temos que o “Céu extremo de ser”, ao mesmo tempo em que “sua própria luz consome”, realiza em forma contrária o florescer (“vai florindo”).

Assim, o fenecimento do sujeito é, também, movimento de germinação, processo dialético que exprime discursivamente a quebra e a retomada do equilíbrio possibilitado pela forma. Há por parte do eu lírico, em sua forma de encarar a vida, uma “consciência desesperada”. Nela, o sujeito se posta, como propôs Kierkegaard, frente à angústia do existir. E na tentativa de anular a morte, advém a apaziguadora condição de imaginar uma possível germinação posterior. A condição desalentada atrelada ao caminhar em direção à morte se acalma por meio do entendimento de que a “Noite abstrata do desamparo extremo” é o espaço em que “o ser se desnuda, exato, nítido!”.

Sob uma atmosfera trágica, o poema se vai orientando pela ideia de angústia: tragicidade da vida. O jogo entre 10 e 11 sílabas deixa ver uma luta entre o alcance do ser (10 versos) e seu deslimite (11 sílabas) – delineado num sujeito que ultrapassa seus extremos a fim de entender poeticamente o incontornável final desse “ser em desamparo”, que precisa suportar a tortuosa caminhada, a “extrema chaga”.

O embate, representado graficamente pela oscilação de versos e explícito semanticamente pela aura angustiada que se fecha em chave de ouro, é o causador de um conflito – agora interno ao ser – que destroça o humano, colocando-o em um impasse entre entender a vida e aceitar a morte. Impasse exasperado, pois que perene, não passível de resolução. Eis mais um catalisador do estado de angústia.

Assim, se na ideação trágica a angústia era inerente à experiência humana frente às realidades social e psíquica, no poema de Orides, ela agora está vertida para um desamparo nascido dentro do eu, um desespero extremo que divide o sujeito entre entender o viver e aceitar o morrer.

Além dessa expressão trágica promovida pelo entrelaçar de expressão e conteúdo, há, ademais, algumas questões postas que se vão elucidando no processo de leitura. Comecemos a ler as estrofes em modo de inversão: da última estrofe em direção à primeira… Exceto o segundo quarteto, todos os blocos de versos encerram-se com o uso de enjambements. O recurso, para além da continuidade, garante a tensão do poema e sinaliza um processo de transbordamento, ou seja, eleva o aspecto de desolação que permeia o texto e o faz ultrapassar versos que já não são capazes de contê-lo.

A última estrofe apresenta um eu poético erguendo-se, ao que parece, de destroços íntimos, mas caminhando com a lucidez de que, apesar de haver o fluir da vida (tematizada pelo sol), sempre haverá a transfiguração desse brilho para a “chama exausta” (verso 13) – uma vez que o existir estará em contínuo desamparo, desespero, solidão. Embora na estrofe ganhe lugar de destaque imagens relativas à vivacidade, girando à volta do sol, a condição vertida/vergada do sujeito poético coloca em segundo plano a possibilidade de leveza que os tons de claridade possam evocar.

Nos versos da terceira estrofe, organizados em torno da morte, deparamos com uma outra apreensão da voz lírica que ratifica a anterior: o desaparecimento, o fenecimento do eu é o que confere ao ser a nitidez, a exatidão que não se encontra enquanto se permanece vivo. Daí ser dito: “[…] o ser se desnuda, exato, nítido!/ Que morte é mais vital, que a extrema chaga// do ser: silêncio em desamparo se abrindo?” (versos 10-12). Entrevemos, mediante esses versos, que o trágico está intrinsecamente relacionado às faces do humano, pois este é mutável, inacabado em alma e corpo.

Na segunda estrofe, o “lúcido abismo” (verso 8) de que fala a voz lírica está na forma do silêncio. Apresenta-se, portanto, em uma posição de desamparo e morte. A ausência de verbo é um caminho que facilita o aspecto de exatidão e exaustão do ser, como se faz ver em todo o poema. Ou melhor, pelo que a voz poética tenta nos mostrar ao longo da reflexão recalcitrante da qual é alvo. Uma reflexão que desemboca “[…] em nítido cansaço// vertido, extremo e puro, no silêncio/ do maior desamparo se exaurindo” (versos 4-6).

As estrofes, altamente imagéticas e repletas de espaços por completar, ressaltam o valor que o silêncio tem na poesia de Orides Fontela. A respeito disso, em texto intitulado A construção do silêncio: um estudo da obra poética de Orides Fontela (2003), o professor Alexandre Rodrigues da Costa aponta: